PRESENTACIÓN FORMAL DE UN PROYECTO

GUIA PARA LA PRESENTACIÓN DE UN PROYECTO:


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GUILLERMO PÉREZ VILLALTA

   Sensibilidad es una palabra de poco uso, incluso diría que con unas connotaciones algo negativas. Hoy en día decir que algo o alguien es sensible tiene un no sé qué de debilidad. En una sociedad donde lo que más se valora es el poder incluso se diría que tiene algo negativo. Pero la sensibilidad es un sentido como los otros, el gusto, la vista, etc. Más aún, diría que es el sentido que contempla los sentidos, el que da forma a toda esa información que por ellos entra. Es lo que crea la consciencia de aquello que contemplamos. Nos da una valoración afectiva de estas cosas, aparte de una relación más honda con las cosas.

   Hay una palabra japonesa, Kokoro, que de algún modo podría traducirse como “el corazón de las cosas”, aunque se refiere más precisamente a algo como su interior, su “alma”. Para mí, la sensibilidad es el sentido con el que contemplamos ese Kokoro. Con ella vemos profundamente las cosas.

Como los otros sentidos, éste debería ser educado, ejercitado desde las más prontas edades. Con ello conseguiríamos sin duda que este mundo, esta vida, fueran mucho mejor. Sobre todo, haría del arte, arte.

   Pero parece una pérdida de tiempo dedicarse a cosas tan poco prácticas cuando el valor económico dirige nuestra sociedad. Desgraciadamente, la insensibilidad domina el mundo y como dijo mi recordado amigo Javier Utray: “la mayoría de la gente tiene los ojos para no tropezar con los objetos”.

   Es este sentido el que nos permite establecer una relación con las cosas donde impera la emoción, el afecto y esa relación amorosa de la que surge uno de los misterios que nos ofrece el conocimiento humano: esa cosa llamada belleza. Esa cosa que nos provoca placer y en la que participan no sólo los sentidos, sino toda la consciencia de nuestro ser. Quizás la puerta que se abre a eso que llamamos espiritualidad.

MARIA BLANCHARD EN EL REINA SOFIA

La muestra reúne 74 obras de la artista santanderina incluyendo las creaciones de sus inicios, su etapa cubista y la vuelta a la figuración. Una pintora que brilló con luz propia en un mundo del arte de vanguardia de principios del siglo XX, dominado por los hombres.

La muestra recorre cronológicamente la trayectoria profesional de María Blanchard (1881-1932). La primera sala muestra las obras de su etapa de formación hasta 1914 en la que abarca varios géneros como la figuración, el expresionismo o el simbolismo inspirada en maestros como Anglada Camarassa o Kees Van Dongen. Obras muy centradas en el retrato con cuadros destacados como La española o La comulgante, con la que lograría cierto éxito años más tarde.

Después de esa etapa María Blanchard se instaló en París y por su inteligencia y sensibilidad artística fue aceptada por el importante grupo de artistas que vivían en la capital francesa en la segunda década del siglo XX. Llegó a compartir estudio y vivienda con artistas como Juan Gris o Diego de Rivera, con los que llegó a hacer diversos viajes por Europa y con los que compartía también tertulias artísticas en los círculos parisinos. Es la época en la que Blanchard se entrega al cubismo aportando al movimiento una plasticidad y sentimiento que no se encuentra en otros artistas. De esta etapa destacan cuadros como Mujer con abanico o La dama del abanico, Naturaleza muerta roja con lámpara o Bodegón con caja de cerillas. Un cubismo muy personal, según la comisaria María José Salazar, y más libre en la interpretación de los temas que artistas como Picasso, Braque o Gris. La injusticia de un mundo del arte dominado por hombres llegó incluso a que algunas obras de Blanchard se atribuyesen durante muchos años a Juan Gris. En los años cuarenta fue injustamente olvidada y su figura no se recuperó en España hasta bien entrados los años 70 aunque sus obras se encuentran en los principales museos de París y de Europa.

La exposición se cierra con 26 pinturas en las que se plasma su retorno a la figuración dentro del llamado movimiento Retour à l'ordre con obras realizadas entre 1919 y la fecha de su muerte. De esa época destacan cuadros como El borracho, Maternidad oval o El niño del helado. Entre las dos etapas se exhiben dibujos cubistas y figurativos.

Con esta exposición el Museo Reina Sofía continúa la recuperación de esta artista que se inició antes del verano en la Fundación botín de Santander con la muestra dedicada exclusivamente a su periodo cubista. La exposición en Madrid estará abierta desde 16 de octubre al 25 de febrero.

FUNDACION MAPFRE

IMOGEN CUNNINGHAM (1883-1976)

"La fotografía para mi es tan maravillosa que, incluso hoy, es como si nunca hubiera visto una fotografía"... Imogen Cunningham

Un poco de su biografía:

Imogen compró su primera cámara fotográfica en un curso por correspondencia y en 1906 empezó a practicar en el campus de la universidad de Whashington en Seattle. Donde tomaría una de las imágenes mas famosas, tumbada en la hierba desnuda, imagen que anuncia un espíritu libre e independiente y que anticiparía su interés por el cuerpo humano, algo infrecuente en la época. Trabajó en el estudio fotográfico de Edward S. Curtis en sus años como estudiante, donde aprende la técnica de la platinotipia. Tras recibir una Beca se marcha a Dresde donde trabaja baja la tutela de Robert Luther.
A su regreso monta un estudio fotográfico en donde se han fotografiado personajes de la alta sociedad, lo que demuestra el prestigio que Imogen se acabará forjando con los años y que mantendrá hasta el final de su vida. En 1917, tras casarse con el artista y grabador Roi Partridge se traslada a California donde nacen sus dos hijos. El cuerpo humano siempre estuvo presente en su producción, además de el estudio y motivos de las formas mas simples lo que pone de manifiesto una visión muy moderna.
En los últimos años ya estaba considerada una de las fotógrafa mas representativas de la costa Oeste.
A los 92 años, comenzó su último e inacabado proyecto: una impresionante serie de fotografías de ancianos.
After Ninety. Muere en 1976.


EJERCICIO NOVIEMBRE 2012

Con la siguiente exposición se pedirá para clase una reflexión escrita y pictórica sobre las obras expuestas y una reflexión que incluya la opinión personal de la exposición.


RETRATOS, OBRAS MAESTRAS DEL CENTRO POMPIDOU

La Fundación Mapfre (Madrid) acoge desde hoy miércoles, 26 de septiembre, y hasta el 6 de enero de 2013, Retratos. Obras maestras del Centre Pompidou, una exposición que incluye 80 obras maestras de algunos de los grandes artistas presentes en las colecciones del Musée National d'Art Moderne-Centre Pompidou (MNAM-CP) de París, que sirven de base para plantear cómo este género ha formado parte de los distintos movimientos artísticos de los siglos XX y XXI.

La muestra, comisariada por Jean-Michel Bouhours, conservador del MNAM-CP, cuenta con importantes obras de Pablo Picasso, Francis Bacon, Henri Matisse, Robert Delaunay, Antonio Saura, Jean Dubuffet, Joan Miró y Amedeo Modigliani, entre otros, que completan un exquisito conjunto de óleos y esculturas de gran calidad.

Estructurada en cinco grandes bloques (Los misterios del alma, Autorretratos, De cara al formalismo,Caos y desorden o la imposible permanencia del ser y Tras la fotografía), la muestra abarca un periodo cronológico que se inicia en el retrato de Erik Satie, realizado por Suzanne Valadon en 1892-1893, y se cierra con The Moroccan, de John Currin, de 2001.

LOUISE BOURGEOIS EN LA CASA ENCENDIDA

         Louise Bourgeois (Paris 1911- New York 2010) es sin dudas unas de las más relevantes creadoras del siglo pasado. Crece rodeada de tapices, en el taller de restauración que regentaba su familia. En Paris recibe su primera formación, artística rodeada ya de grandes nombres. Años después, se traslada a New York, donde trabaja hasta su muerte. Su obra se enseña en contadas ocasiones hasta que en 1982, el legendario MoMA le dedica una gran retrospectiva -la primera a una mujer artista- Tenía 70 años. su trabajo posee una claro componente autobiográfico: "todos mis temas están inspirados en mi infancia", afirma son siempre los mismos traumas, las mismas obsesiones, las que aparecen una y otra vez,  a lo largo de los años. Imposible de clasificar, Bourgeois se ha movido libremente de la figuración a la abstracción, forjando un impersonalísimo lenguaje de resonancia con el que explorar tanto la memoria como los sentimientos.

José Pedro Croft en Helga de Alvear

PROCESO ESTACIONARIO


José Pedro Croft (Oporto, 1957) continúa incansable en su investigación sobre los fundamentos del arte contemporáneo. Profundizando en las líneas maestras que han venido definiendo la creación plástica desde la modernidad hasta hoy en día, el artista luso prosigue su tenaz empresa de explorar hasta el límite las posibilidades que la conforman.

                                          http://www.helgadealvear.com/galerias/125/125.pdf

obra de José Pedro Croft

Juan Carlos Robles en Oliva Arauna

AUTONEGACIÓN

Debemos entender esta investigación visual como un método de autoconocimiento que sostiene la idea de que,cuanto más nos acercamos al Otro, más cerca estamos de nosotros mismos. En ese sentido, las fotografías, vídeosy esculturas que presentamos han de ser entendidas como si de espejos se tratara.

Esta exposición bajo el título de Autonegación pone en práctica aquello que considero central en mi trabajo, que no es otra cosa que tomar medida a la distancia que nos separa del Otro. Mi intención es articular un lenguaje desde el que poder re-pensar dicha distancia, hoy cada vez más definida por el hecho 
tecnológico.

Pieza de Juan Carlos Robles

    http://www.olivarauna.com/galeria/artistas/jrobles/exposicion/autonegacion/autonegacion.html

Los Ballets rusos en Caixa Forum

Traje para la mujer del bufón de Chout, basado en un diseño de Mijail Larionov.
Traje de 1921 © V&A Images

Esta exposición organizada por el Victoria & Albert Museum de Londres quiere rescatar la figura de Serguéi Diáguilev (Nóvgorod, 1872 - Venecia, 1929) a través de su compañía de danza, los ballets rusos, sin la cual no podría entenderse la evolución de la danza en el siglo xx. La exposición muestra un recorrido por los escenarios y los acontecimientos más importantes que protagonizó la compañía en sus veinte años de existencia.


http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/losballetsrusos_es.html

Bailarines de los ballets rusos, con Lubov Tchernicheva delante, posando con el vestuario de Scheherazade. Granada, España, mayo de 1918 © V&A Images

Juan Zamora y Alejandra Freymann en el museo ABC

Conexiones 03. The Children Pox, el misterio del perro de sol.

The Children Pox es una pareja artística formada por dos de los nombres de la escena emergente nacional más destacados: el español Juan Zamora (Madrid, 1982) y la belgo-mexicana, afincada entre nosotros, Alejandra Freymann (Xalapa, 1983).

Ambos cuentan con un notable reconocimiento profesional por separado, pero en paralelo llevan ya mucho tiempo desarrollando un trabajo común que apenas ha sido conocido, manteniéndose hasta la fecha como un proyecto de carácter casi exclusivamente privado. En las escasísimas ocasiones que lo han hecho público han preferido casi siempre mantener el anonimato. Sin embargo, con esta muestra parece llegado el momento de dar a conocer esa parcela conjunta de su labor creativa que, poco a poco, ha ido cobrando mayor importancia para cada uno de ellos, ocupándoles buena parte de su tiempo en el estudio y buena parte de sus preocupaciones artísticas.

Exposición (foto cedida por la fundación Banco Santander)

Alejandra Freymann y Juan Zamora

http://www.museoabc.es/es/exposicion/116/Conexiones_03._The_Children_Pox,_el_misterio_del_perro_de_sol

Fernando Sánchez Castillo en Matadero de Madrid

"Síndrome de Guernica"

Imagen cedida por Matadero de Madrid

http://www.mataderomadrid.org/ficha/1203/fernando-sanchez-castillo.html

Desde el 20 de Enero
al 08 de Abril

Síndrome de Guernica es el título de esta pieza escultórica elaborada a partir del Azor, la embarcación de recreo que utilizó el que fuera Jefe del Estado español, Francisco Franco y que fue escenario de diversos hechos históricos como las “conversaciones del Azor” entre Don Juan de Borbón y el propio Franco. Ya en la etapa democrática, Felipe González utilizó el yate en unas polémicas vacaciones veraniegas, y en 1990 el Estado lo subastó especificando que su destino era el desguace. Sin embargo, su comprador quiso convertirlo, sin éxito, en un local de ocio.

A finales de 2011 Fernando Sánchez Castillo compra el Azor para transformarlo en una obra artística con forma de prisma. El prisma es una forma ensalzada en el minimalismo por su impersonalidad constructiva y su ausencia de referencias sentimentales o emotivas.

Se trata de una intervención pensada especialmente para la antigua cámara frigorífica de Matadero Madrid dentro del programa Abierto x Obras, comisariado por Manuela Villa y por el que han pasado artistas como Daniel Canogar, Roman Signer, Iñigo Manglano Ovalle, Carlos Garaicoa o Jannis Kounellis.

Fernando Sánchez Castillo, que ha desarrollado buena parte de su carrera en Holanda, aborda habitualmente en su trabajo los símbolos establecidos con un punto de ironía que cuestiona la relación entre arte, poder e historia. Su trabajo se aproxima a la historiografía, el periodismo o las ambiguas relaciones entre el poder y su propaganda. El artista madrileño ha participado en exposiciones colectivas en algunos de los museos y galerías más importantes del panorama internacional, como la Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York o la 50 Biennale di Venezia.

Chagall en el Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Imagen cedida por el museo Thyssen-Bornemisza.

Del 14 de febrero al 20 de mayo de 2012 

Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

 

Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y comisariada por Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, esta exposición será la primera gran retrospectiva dedicada al artista ruso en España y, como principal objetivo, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte. Las salas del Museo Thyssen-Bornemisza expondrán trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, la capital de la vanguardia en ese momento; también se recogerá su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941. En las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid la atención se centrará en el período americano y en su evolución artística posterior; se insistirá en los asuntos bíblicos que preocupaban al artista y en su relación con los poetas contemporáneos, además de presentar distintas obras de escultura y cerámica. 

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2012/chagall/ 

  Generación 2012. Exposición

                      Grupo de eventos: Cultura Proyecto "Generaciones"

Imagen cedida por La Casa Encendida

Vi03.Febrero – Do08.Abril Cada dia , 10:00h – 21:45h

Decimotercera edición de la convocatoria de apoyo a la creación joven de Obra Social Caja Madrid. El jurado compuesto por Mª Inés Rodríguez (Curadora jefe del MUAC de México DF), Iñaki Martínez Antelo (Director del MARCO de Vigo) y José María Parreño (Profesor de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes, UCM) ha concedido 150.000 € en premios, distribuidos entre los 10 proyectos artísticos seleccionados: Ghost Paintings: Ellsworth Kelly Copies, de Kristoffer Ardeña; Muestras 1, 2, 3 y 4 [Abelina], de Empar Buxeda; Onstage - Monuments of Melancholy, de Juanli Carrión; Future Studies, de Javier Fresneda; Herrería, de Nuria Fuster; Memoria de un espacio, de Amaya Hernández; PORTADORES. La imagen en el campo ampliado del cuerpo, de Almudena Lobera e Isabel Martínez; La luz se propaga en el vacío, de Paula Rubio Infante; Europa crítica, de Daniel Silvo; y El Contorno, de Maya Watanabe.

https://www.lacasaencendida.es/page/id-1-1143-0-102075-418694-102040-0.go

Exposición en el CA2M: Aeronaut Mik                                                             Imagen cedida por CA2M Inauguración: 7 feb 2012 8 feb – 3 jun 2012 Comisario Ferran barenblit A través de una narrativa indeterminada las obras de Aernout Mik (Groningen, Paises Bajos,1962) sugieren situaciones en las que se reflejan las tensiones sociales y emocionales contemporáneas. En su trabajo vemos imágenes que nos remiten a guerras, crisis globales y conflictos sociales y raciales que nos resultan familiares sin aludir a un caso concreto.  http://www.ca2m.org/es/presentes/aernout-mik

                                       Museo ABC 

         

                           Imagen cedida por el Museo ABC de Madrid

 La Colección  ABC, con más de 200.000 obras de 1.500 autores desde 1891, abre al público en visitas a su archivo el primer martes de cada mes, a las 19 horas.

                           http://www.museoabc.es/es/actividad/107

Exposición en el Reina Sofía:

Paloma Polo. Posición aparente

 

Fechas: 26 de enero - 23 abril de 2012
Lugar: Espacio Uno 

                                                  
                                                     Imagen cedida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 


Posición aparente forma parte de un proyecto de investigación en torno a las expediciones científicas que se llevaron a cabo durante el siglo XIX y principios del siglo XX para avistar y documentar diferentes fenómenos astronómicos. Un proyecto con el que Paloma Polo (Madrid, 1983) pretende explorar la estrecha relación entre el desarrollo científico y la expansión colonial de las potencias imperialistas europeas. En esta ocasión, Polo se centra en una expedición que realizó en 1919 el astrofísico británico Sir Arthur Stanley Eddington a la isla de Príncipe, ex-colonia portuguesa situada en el golfo de Guinea, para intentar demostrar la teoría de la relatividad de Einstein a partir de la observación de los efectos de un eclipse solar total.
                                http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/programa-fisuras/polo.html
  

Exposición en el Museo Reina Sofía: 

                          Hans Haacke. Castillos en el aire

Fechas: 15 de febrero – 23 de julio de 2012
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

© Hans Haacke/VEGAP, Madrid, 2012

Hans Haacke (Colonia, 1936) es considerado pionero de la llamada crítica institucional, vertiente del arte conceptual, surgida a finales de los años sesenta. Formado y residente en los Estados Unidos, su obra transita de un puro conceptualismo inicial hacia un discurso crítico. Sus obras cuestionan los mecanismos y funciones de las instituciones culturales, políticas y económicas, que manifiestan ser herramientas activas en la construcción y transmisión de valores identitarios e ideológicos favorables al discurso y expansión de la globalización. Construye sistemas de relación mediante elementos literales tomados del cotidiano, cuyo significado crítico emerge por colisión simbólica al ser yuxtapuestos, procurando, más que denunciar, dejar ver la relación entre arte y comportamiento social.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/haacke.html