Exposiciones ahora.

Esta es una lista de las expos recomendables que están ahora en Madrid con información y enlaces.



La pintura en el gozne de los años 70 y 80 
En el Palacio de Velazquez del Retiro
Del 06 noviembre 2013 al 18 de mayo 2014 
http://www.hoyesarte.com/evento/2013/11/el-arte-espanol-de-los-anos-70-y-80-en-el-palacio-de-velazquez/


Macchiaioli. Realismo impresionista en Italia.
En la Fundación Mapfre.
Del 12 de Septiembre al 5 de Enero de 2014
http://www.exposicionesmapfrearte.com/macchiaioli/es/




Velazquez en el Prado
Edificio Jerónimos, sala C

8 de octubre de 2013 - 9 de febrero de 2014

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/velazquez-y-la-familia-de-felipe-iv
http://www.rtve.es/noticias/20131004/velazquez-retratista-servicio-del-rey-museo-del-prado/758049.shtml



Surrealistas antes del surrealismo. La fantasía y lo fantástico en la espampa, el dibujo y la fotografía.

Fundación Juan March. Calle Castelló, 77 

14 de octubre 2013 – 12 de enero 2014
http://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/surrealistas-antes-del-surrealismo/?l=1

Chris Killip 

Museo Reina Sofía,  edificio Sabatini, planta 32 octubre, 2013 – 24 febrero, 2014

http://www.museoreinasofia.es/exposicio

nes/chris-killip

BECARIOS

Marco Prieto
Lydia Garvín

Horario y contacto de los becarios en el aula 206.
CES Felipe II.

Paul Klee en la Fundación Juan March

Exposición en Madrid

Paul Klee: maestro de la Bauhaus

22 de marzo 2013 – 30 de junio 2013

Paul Klee
Viento de la rosa, 1922

La exposición, resultado de varios años de trabajo en colaboración con el Zentrum Paul Klee de Berna, se apoya en el que quizá sea uno de los proyectos de investigación sobre el artista más relevante de las últimas décadas: la reciente edición crítica del así llamado "legado pedagógico" de Klee. La muestra permite articular una selección de 137 obras entre pinturas, acuarelas y dibujos, realizados entre 1899 y 1940, con casi un centenar de manuscritos seleccionados entre las notas de las clases de Klee en la Bauhaus, que representan cada uno de los 24 capítulos que componen los textos de Klee.

Cuenta, además, con objetos y documentos que van desde fotografías de época hasta los herbarios del artista, pasando por sus lecturas, las fuentes documentales de sus reflexiones, sus escritos, sus cuadernos de dibujo y sus publicaciones, un variado material que contextualiza adecuadamente su vida y su trabajo en la Bauhaus de Weimar y Dessau y ayuda a poner de manifiesto las influencias mutuas entre su teoría y su práctica artística a lo largo de toda su vida.

Con el nombre de "legado pedagógico" de Klee se conoce hasta hoy un conjunto de textos tan heteróclito como fascinante: casi 4.000 páginas manuscritas de Klee en las que éste recogió sus reflexiones e investigaciones teórico-prácticas –plagadas de llamativos diagramas, esquemas, tablas, escalas de color, construcciones y dibujos¬– en torno a la forma pictórica, sus regularidades, sus normas y su génesis; a la geometría, el plano y el volumen; al movimiento, las estructuras de la naturaleza y las de los artificios, las configuraciones plásticas, el ritmo o el color. Se trata, en definitiva, de un conjunto de reflexiones sobre la vida de las formas sin el que no pueden entenderse de manera concluyente ni la teoría del arte ni el propio hacer artístico de Klee, dos ámbitos que –como es obvio en el caso del artista–, se hacen eco mutuamente.

Sin embargo, y pesar de la significación y de la importancia de esos escritos, hasta ahora apenas dos exposiciones se habían apoyado explícitamente en ellos para plantear un discurso visual que se ocupara de las relaciones entre la obra y la enseñanza de Klee; sin duda a causa, al menos en parte, de que todo ese riquísimo material, tan rico en sugerencias como difícil de interpretar, se encontraba en un estado poco practicable para la interpretación y el análisis.

La Fundación Juan March, que ya organizó en 1981 una de las primeras muestras sobre Paul Klee celebradas en España, ha concebido esta otra exposición en paralelo al estudio, la transcripción y la edición crítica de ese inmenso legado, una tarea llevada a cabo por Fabienne Eggelhöffer y Marianne Keller -comisarias invitadas de esta muestra-. El resultado de esa investigación es la monumental base de datos www.kleegestaltungslehre.zpk.org en la que desde el pasado mes de agosto de 2012 pueden consultarse libremente todos los manuscritos originales de Klee y sus transcripciones.

Paul Klee
Con el viento, 1917

Para la organización de la exposición se ha contado con la colaboración del Zentrum Paul Klee, donde se presentó una primera versión reducida, compuesta por obras de su propia colección, bajo el título Meister Klee! Lehrer am Bauhaus, entre el 31 de julio de 2012 y el 6 de enero de 2013. La muestra que se exhibe ahora en La Fundación Juan March reúne algunas de las obras expuestas en el Zentrum Paul Klee junto a muchas otras de diversa procedencia.

Las obras de Klee están organizadas en secciones según cinco temas –el color, el ritmo, la naturaleza, la construcción y el movimiento–centrales tanto en su creación artística como en su enseñanza, y que ordenan la mirada en el amplio universo plástico de un artista tan imaginativamente fértil como fue Klee: los fenómenos de la génesis y el crecimiento de la naturaleza le sirvieron de modelo para explicar la configuración y el diseño. Su tesis de que lo esencial no es tanto la forma definitiva de las cosas como más bien el proceso que conduce a ella, su idea de que una forma no "es", sino que deviene, impregna toda su enseñanza y explica su interés por el interior y la generación de las formas. Junto a los fenómenos naturales, Klee estudió también, en el arte y en la teoría, el ritmo, el color, las construcciones geométricas y el movimiento.

Los préstamos de la exposición proceden de la colección del Zentrum Paul Klee de Berna y de muchos otros museos y colecciones, públicas y privadas, de Suiza, Alemania, Francia, Estados Unidos y España. La exposición se acompaña de un catálogo, en edición española e inglesa (con las correspondientes versiones para e-book), con ensayos y textos de Fabienne Eggelhöfer, Marianne Keller yWolfgang Thoner. La Fundación Juan March edita también, como publicación complementaria, las traducciones al español y al inglés, en ediciones semifacsímiles, de las Beiträge zur Bildnerischen Formlehre ("Aportaciones para una teoría de la forma pictórica [Notas de clase]"), apuntes de Paul Klee para sus clases elaborados en 1921-22 y hasta ahora inéditos en ambas lenguas.

Exposición Recomendada

LA ISLA DEL TESORO
Arte Británico de Holbein a Hockney

Esta imperdible exposición propone un recorrido por más de un centenar de pinturas que van desde la pintura civil de Hans Holbein hasta la obra de verdaderos iconos del arte de los sesenta a los ochenta del pasado siglo, articulando un relato del arte que pone de manifiesto una energía y una variedad sorprendentemente cosmopolitas. La muestra presenta artistas británicos conocidos y menos conocidos, nativos y extranjeros, organizándolos en siete secciones que dibujan una serie de aspectos del arte británico durante cada época. El primer ambiente "Destrucción y Reforma" que va desde 1520 a 1620. De las miniaturas de Holbein con su gran estilo y sutileza de los maestros de las miniaturas isabelinos y jacovinos Nicholas Hilliard e Isaac Oliver, las diminutas imágenes pintadas sobre vitela pegadas en fragmentos de cartas, se montaban normalmente dentro de preciosos relicarios. El segundo ambiente " La revolución y el Barroco" 1620-1720. Desde Francis Barlow hasta Anthony Van Dyck, figura clave que importa un sofisticado estilo pictórico que muestra el impacto de la pintura de Tiziano. Los retratos plateados que relaiza de la Reina y el Rey y de otras figuras de la aristicrasia inglesa destacadas traen a la memoria un mundo tan  brillante como cerrado. El tercer ambiente "Sociedad y sátira" 1720-1800. Acá destacan figuras como William Hogarth con su serie La carrera de las prostitutas estableciendo un modelo de arte narrativo, otro no menos importante Thomas Gainsborough, Lawrence o Joshua Reynolds director de la Royal Academy of Arts muy influido por las ideas estéticas y morales de la obra del tercer conde de Shaftesbury.
El cuarto ambiente "Paisajes de la mente" 1760-1850 según William Turner "Del mismo modo en que la belleza no es belleza en tanto no es definida, ni la ciencia es ciencia en tanto no es revelada, debemos considerar de qué otro modo podría el artista haber adquirido poderes semejantes, si no es a través del estudio continuado de las partes de la naturaleza".
Aquí destacan, John Constable, William Blake, Thomas Girtin, David Lucas o Samuel Palmer, Edmund Burke quien publica su ensayo Indagación Filosófica donde esboza una distinción de "lo bello" y "lo sublime" atribuyendo a lo último una experiencia del poder de la naturaleza que sobrecoge al espectador.
Otro ambiente "Realismo y Reacción" gran parte del arte del siglo XIX concuerda con la seriedad de estas ambiciones, desde la preocupación prerrafaelita por la "fidelidad a la naturaleza". El penúltimo ambiente "Modernidad y Tradición" 1900-1940 , aquí encontramos artistas fascinados por los aspectos industriales de siglo XX, Spencer Gore del Canden Town Group, Whydham Lewis, David Bomberg y Edward Wadswoth.
Finaliza la muestra con el último ambiente "Un mundo Feliz" 1945-1980 con uno de mis artistas favoritos, Francis Bacon y Lucien Freud

En esta página podréis encontrar infinitas posturas del cuerpo, tiene también una aplicación muy interesante donde podéis observar cabeza, tronco, manos y pies en distintas posturas y con movimiento en 3D, y otra  posibilidad con la que se pueden programar los tiempos para realizar apuntes rápidos.
http://www.posemaniacs.com

EXPOSICIONES RECOMENDADAS

POMPEYA: CATÁSTROFE BAJO EL VESUBIO

CENTRO DE EXPOSICIONES ARTE CANAL

Breve introducción de la Historia:
Cuando el año 79 d.c. la ceniza sepultó las poblaciones de Pompeya, Herculano y Campania, se produjo una de las peores catástrofes de la historia. Su dramática destrucción las ha convertido, paradójicamente, en el yacimiento más importante y mejor conservado de la época romana. una auténtica fotografía de cómo se vivía hace ahora 2000 años.
Esta es una muestra de más de 600 piezas que quiere demostrar qué supuso la erupción volcánica para una ciudad llena de vida. Los objetos de uso cotidiano, las pinturas, los restos orgánicos de  que la catástrofe ha permitido conservar, son de una calidad arqueológica inigualable y de una contundencia visual incuestionable.
La muestra quiere también resaltar la figura de Carlos III, el "Rey Arqueólogo", que fue el descubridor y auténtico impulsor de las excavaciones de Pompeya.

"Pompeya" es una de las mejores muestras que he visto hasta ahora por su valor histórico y por las auténticas reliquias que se ecxiben, la ambientación realizada a manera de introducción y separada por ámbientes, logra que uno se pueda sentir casi como caminando por la ciudad, ayudan mucho los vídeos que reconstruyen la historia y hay uno de ellos que me gustó porque es una animación de una Domus romana, donde te paseas por las habitaciones y los patios viendo los objetos y la decoración de una auténtica Domus, recreando cada detalle.
Sorprenden los objetos como artilugios de medicina, como instrumentales quirúrgicos y hasta un Forceps, así como la colección de Platería de la Casa Menandro, las joyas de gran valor y exquisitos diseños o los artículos de cocina como un molde para repostería en forma de Cerdo (que hoy es lo más de lo más de la alta cocina) o los coladores de pasta con un diseño que ya quisieran poseer los amantes del arte culinario.
Esta exposición nos hace pensar que no hemos cambiado mucho en 2000 años y que si acaso hemos retrocedido en algunos aspectos.
Muy recomendable de ver.

CAIXA FORUM MADRID PRESENTA

CARTOGRAFÍAS CONTEMPORÁNEAS: Dibujando el pensamiento

     Es naturaleza humana que el hombre quiera ordenar y razonar el caos de la vida y lo  escapa a nuestra desconocido construyendo códigos que pueda entender en un intento de dominio de aquello que conforma nuestra realidad. El poder representar en dos dimensiones, un plano el espacio que ocupa la tierra y se escapa a nuestra percepción visual. Todo lo codificamos, conocimiento, deseos, sentimientos y experiencias vitales.

    Como señala el geógrafo Franco Farinelli, desde los inicios del pensamiento europeo no existe otra manera de comprender las cosas que no sea a través de su imagen, difícilmente podemos ir mas allá de su apariencia.

    En el siglo XX, la representación del mundo se verá afectada por los adelantos técnicos y ya con internet, se cambia completamente los conceptos tradicionales de tiempo y espacio, el espacio hoy día es una red que se mueve constantemente como un flujo material e inmaterial a la vez, una modernidad líquida que se mueve entre lo que fuimos y lo nuevo que no sabemos aún representar.

PRESENTACIÓN FORMAL DE UN PROYECTO

GUIA PARA LA PRESENTACIÓN DE UN PROYECTO:


http://www.articaonline.com/wp-content/plugins/download-monitor/download.php?id=2

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA

   Sensibilidad es una palabra de poco uso, incluso diría que con unas connotaciones algo negativas. Hoy en día decir que algo o alguien es sensible tiene un no sé qué de debilidad. En una sociedad donde lo que más se valora es el poder incluso se diría que tiene algo negativo. Pero la sensibilidad es un sentido como los otros, el gusto, la vista, etc. Más aún, diría que es el sentido que contempla los sentidos, el que da forma a toda esa información que por ellos entra. Es lo que crea la consciencia de aquello que contemplamos. Nos da una valoración afectiva de estas cosas, aparte de una relación más honda con las cosas.

   Hay una palabra japonesa, Kokoro, que de algún modo podría traducirse como “el corazón de las cosas”, aunque se refiere más precisamente a algo como su interior, su “alma”. Para mí, la sensibilidad es el sentido con el que contemplamos ese Kokoro. Con ella vemos profundamente las cosas.

Como los otros sentidos, éste debería ser educado, ejercitado desde las más prontas edades. Con ello conseguiríamos sin duda que este mundo, esta vida, fueran mucho mejor. Sobre todo, haría del arte, arte.

   Pero parece una pérdida de tiempo dedicarse a cosas tan poco prácticas cuando el valor económico dirige nuestra sociedad. Desgraciadamente, la insensibilidad domina el mundo y como dijo mi recordado amigo Javier Utray: “la mayoría de la gente tiene los ojos para no tropezar con los objetos”.

   Es este sentido el que nos permite establecer una relación con las cosas donde impera la emoción, el afecto y esa relación amorosa de la que surge uno de los misterios que nos ofrece el conocimiento humano: esa cosa llamada belleza. Esa cosa que nos provoca placer y en la que participan no sólo los sentidos, sino toda la consciencia de nuestro ser. Quizás la puerta que se abre a eso que llamamos espiritualidad.

MARIA BLANCHARD EN EL REINA SOFIA

La muestra reúne 74 obras de la artista santanderina incluyendo las creaciones de sus inicios, su etapa cubista y la vuelta a la figuración. Una pintora que brilló con luz propia en un mundo del arte de vanguardia de principios del siglo XX, dominado por los hombres.

La muestra recorre cronológicamente la trayectoria profesional de María Blanchard (1881-1932). La primera sala muestra las obras de su etapa de formación hasta 1914 en la que abarca varios géneros como la figuración, el expresionismo o el simbolismo inspirada en maestros como Anglada Camarassa o Kees Van Dongen. Obras muy centradas en el retrato con cuadros destacados como La española o La comulgante, con la que lograría cierto éxito años más tarde.

Después de esa etapa María Blanchard se instaló en París y por su inteligencia y sensibilidad artística fue aceptada por el importante grupo de artistas que vivían en la capital francesa en la segunda década del siglo XX. Llegó a compartir estudio y vivienda con artistas como Juan Gris o Diego de Rivera, con los que llegó a hacer diversos viajes por Europa y con los que compartía también tertulias artísticas en los círculos parisinos. Es la época en la que Blanchard se entrega al cubismo aportando al movimiento una plasticidad y sentimiento que no se encuentra en otros artistas. De esta etapa destacan cuadros como Mujer con abanico o La dama del abanico, Naturaleza muerta roja con lámpara o Bodegón con caja de cerillas. Un cubismo muy personal, según la comisaria María José Salazar, y más libre en la interpretación de los temas que artistas como Picasso, Braque o Gris. La injusticia de un mundo del arte dominado por hombres llegó incluso a que algunas obras de Blanchard se atribuyesen durante muchos años a Juan Gris. En los años cuarenta fue injustamente olvidada y su figura no se recuperó en España hasta bien entrados los años 70 aunque sus obras se encuentran en los principales museos de París y de Europa.

La exposición se cierra con 26 pinturas en las que se plasma su retorno a la figuración dentro del llamado movimiento Retour à l'ordre con obras realizadas entre 1919 y la fecha de su muerte. De esa época destacan cuadros como El borracho, Maternidad oval o El niño del helado. Entre las dos etapas se exhiben dibujos cubistas y figurativos.

Con esta exposición el Museo Reina Sofía continúa la recuperación de esta artista que se inició antes del verano en la Fundación botín de Santander con la muestra dedicada exclusivamente a su periodo cubista. La exposición en Madrid estará abierta desde 16 de octubre al 25 de febrero.

FUNDACION MAPFRE

IMOGEN CUNNINGHAM (1883-1976)

"La fotografía para mi es tan maravillosa que, incluso hoy, es como si nunca hubiera visto una fotografía"... Imogen Cunningham

Un poco de su biografía:

Imogen compró su primera cámara fotográfica en un curso por correspondencia y en 1906 empezó a practicar en el campus de la universidad de Whashington en Seattle. Donde tomaría una de las imágenes mas famosas, tumbada en la hierba desnuda, imagen que anuncia un espíritu libre e independiente y que anticiparía su interés por el cuerpo humano, algo infrecuente en la época. Trabajó en el estudio fotográfico de Edward S. Curtis en sus años como estudiante, donde aprende la técnica de la platinotipia. Tras recibir una Beca se marcha a Dresde donde trabaja baja la tutela de Robert Luther.
A su regreso monta un estudio fotográfico en donde se han fotografiado personajes de la alta sociedad, lo que demuestra el prestigio que Imogen se acabará forjando con los años y que mantendrá hasta el final de su vida. En 1917, tras casarse con el artista y grabador Roi Partridge se traslada a California donde nacen sus dos hijos. El cuerpo humano siempre estuvo presente en su producción, además de el estudio y motivos de las formas mas simples lo que pone de manifiesto una visión muy moderna.
En los últimos años ya estaba considerada una de las fotógrafa mas representativas de la costa Oeste.
A los 92 años, comenzó su último e inacabado proyecto: una impresionante serie de fotografías de ancianos.
After Ninety. Muere en 1976.


EJERCICIO NOVIEMBRE 2012

Con la siguiente exposición se pedirá para clase una reflexión escrita y pictórica sobre las obras expuestas y una reflexión que incluya la opinión personal de la exposición.


RETRATOS, OBRAS MAESTRAS DEL CENTRO POMPIDOU

La Fundación Mapfre (Madrid) acoge desde hoy miércoles, 26 de septiembre, y hasta el 6 de enero de 2013, Retratos. Obras maestras del Centre Pompidou, una exposición que incluye 80 obras maestras de algunos de los grandes artistas presentes en las colecciones del Musée National d'Art Moderne-Centre Pompidou (MNAM-CP) de París, que sirven de base para plantear cómo este género ha formado parte de los distintos movimientos artísticos de los siglos XX y XXI.

La muestra, comisariada por Jean-Michel Bouhours, conservador del MNAM-CP, cuenta con importantes obras de Pablo Picasso, Francis Bacon, Henri Matisse, Robert Delaunay, Antonio Saura, Jean Dubuffet, Joan Miró y Amedeo Modigliani, entre otros, que completan un exquisito conjunto de óleos y esculturas de gran calidad.

Estructurada en cinco grandes bloques (Los misterios del alma, Autorretratos, De cara al formalismo,Caos y desorden o la imposible permanencia del ser y Tras la fotografía), la muestra abarca un periodo cronológico que se inicia en el retrato de Erik Satie, realizado por Suzanne Valadon en 1892-1893, y se cierra con The Moroccan, de John Currin, de 2001.

LOUISE BOURGEOIS EN LA CASA ENCENDIDA

         Louise Bourgeois (Paris 1911- New York 2010) es sin dudas unas de las más relevantes creadoras del siglo pasado. Crece rodeada de tapices, en el taller de restauración que regentaba su familia. En Paris recibe su primera formación, artística rodeada ya de grandes nombres. Años después, se traslada a New York, donde trabaja hasta su muerte. Su obra se enseña en contadas ocasiones hasta que en 1982, el legendario MoMA le dedica una gran retrospectiva -la primera a una mujer artista- Tenía 70 años. su trabajo posee una claro componente autobiográfico: "todos mis temas están inspirados en mi infancia", afirma son siempre los mismos traumas, las mismas obsesiones, las que aparecen una y otra vez,  a lo largo de los años. Imposible de clasificar, Bourgeois se ha movido libremente de la figuración a la abstracción, forjando un impersonalísimo lenguaje de resonancia con el que explorar tanto la memoria como los sentimientos.

José Pedro Croft en Helga de Alvear

PROCESO ESTACIONARIO


José Pedro Croft (Oporto, 1957) continúa incansable en su investigación sobre los fundamentos del arte contemporáneo. Profundizando en las líneas maestras que han venido definiendo la creación plástica desde la modernidad hasta hoy en día, el artista luso prosigue su tenaz empresa de explorar hasta el límite las posibilidades que la conforman.

                                          http://www.helgadealvear.com/galerias/125/125.pdf

obra de José Pedro Croft

Juan Carlos Robles en Oliva Arauna

AUTONEGACIÓN

Debemos entender esta investigación visual como un método de autoconocimiento que sostiene la idea de que,cuanto más nos acercamos al Otro, más cerca estamos de nosotros mismos. En ese sentido, las fotografías, vídeosy esculturas que presentamos han de ser entendidas como si de espejos se tratara.

Esta exposición bajo el título de Autonegación pone en práctica aquello que considero central en mi trabajo, que no es otra cosa que tomar medida a la distancia que nos separa del Otro. Mi intención es articular un lenguaje desde el que poder re-pensar dicha distancia, hoy cada vez más definida por el hecho 
tecnológico.

Pieza de Juan Carlos Robles

    http://www.olivarauna.com/galeria/artistas/jrobles/exposicion/autonegacion/autonegacion.html

Los Ballets rusos en Caixa Forum

Traje para la mujer del bufón de Chout, basado en un diseño de Mijail Larionov.
Traje de 1921 © V&A Images

Esta exposición organizada por el Victoria & Albert Museum de Londres quiere rescatar la figura de Serguéi Diáguilev (Nóvgorod, 1872 - Venecia, 1929) a través de su compañía de danza, los ballets rusos, sin la cual no podría entenderse la evolución de la danza en el siglo xx. La exposición muestra un recorrido por los escenarios y los acontecimientos más importantes que protagonizó la compañía en sus veinte años de existencia.


http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/losballetsrusos_es.html

Bailarines de los ballets rusos, con Lubov Tchernicheva delante, posando con el vestuario de Scheherazade. Granada, España, mayo de 1918 © V&A Images

Juan Zamora y Alejandra Freymann en el museo ABC

Conexiones 03. The Children Pox, el misterio del perro de sol.

The Children Pox es una pareja artística formada por dos de los nombres de la escena emergente nacional más destacados: el español Juan Zamora (Madrid, 1982) y la belgo-mexicana, afincada entre nosotros, Alejandra Freymann (Xalapa, 1983).

Ambos cuentan con un notable reconocimiento profesional por separado, pero en paralelo llevan ya mucho tiempo desarrollando un trabajo común que apenas ha sido conocido, manteniéndose hasta la fecha como un proyecto de carácter casi exclusivamente privado. En las escasísimas ocasiones que lo han hecho público han preferido casi siempre mantener el anonimato. Sin embargo, con esta muestra parece llegado el momento de dar a conocer esa parcela conjunta de su labor creativa que, poco a poco, ha ido cobrando mayor importancia para cada uno de ellos, ocupándoles buena parte de su tiempo en el estudio y buena parte de sus preocupaciones artísticas.

Exposición (foto cedida por la fundación Banco Santander)

Alejandra Freymann y Juan Zamora

http://www.museoabc.es/es/exposicion/116/Conexiones_03._The_Children_Pox,_el_misterio_del_perro_de_sol

Fernando Sánchez Castillo en Matadero de Madrid

"Síndrome de Guernica"

Imagen cedida por Matadero de Madrid

http://www.mataderomadrid.org/ficha/1203/fernando-sanchez-castillo.html

Desde el 20 de Enero
al 08 de Abril

Síndrome de Guernica es el título de esta pieza escultórica elaborada a partir del Azor, la embarcación de recreo que utilizó el que fuera Jefe del Estado español, Francisco Franco y que fue escenario de diversos hechos históricos como las “conversaciones del Azor” entre Don Juan de Borbón y el propio Franco. Ya en la etapa democrática, Felipe González utilizó el yate en unas polémicas vacaciones veraniegas, y en 1990 el Estado lo subastó especificando que su destino era el desguace. Sin embargo, su comprador quiso convertirlo, sin éxito, en un local de ocio.

A finales de 2011 Fernando Sánchez Castillo compra el Azor para transformarlo en una obra artística con forma de prisma. El prisma es una forma ensalzada en el minimalismo por su impersonalidad constructiva y su ausencia de referencias sentimentales o emotivas.

Se trata de una intervención pensada especialmente para la antigua cámara frigorífica de Matadero Madrid dentro del programa Abierto x Obras, comisariado por Manuela Villa y por el que han pasado artistas como Daniel Canogar, Roman Signer, Iñigo Manglano Ovalle, Carlos Garaicoa o Jannis Kounellis.

Fernando Sánchez Castillo, que ha desarrollado buena parte de su carrera en Holanda, aborda habitualmente en su trabajo los símbolos establecidos con un punto de ironía que cuestiona la relación entre arte, poder e historia. Su trabajo se aproxima a la historiografía, el periodismo o las ambiguas relaciones entre el poder y su propaganda. El artista madrileño ha participado en exposiciones colectivas en algunos de los museos y galerías más importantes del panorama internacional, como la Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York o la 50 Biennale di Venezia.

Chagall en el Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Imagen cedida por el museo Thyssen-Bornemisza.

Del 14 de febrero al 20 de mayo de 2012 

Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

 

Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y comisariada por Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, esta exposición será la primera gran retrospectiva dedicada al artista ruso en España y, como principal objetivo, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte. Las salas del Museo Thyssen-Bornemisza expondrán trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, la capital de la vanguardia en ese momento; también se recogerá su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941. En las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid la atención se centrará en el período americano y en su evolución artística posterior; se insistirá en los asuntos bíblicos que preocupaban al artista y en su relación con los poetas contemporáneos, además de presentar distintas obras de escultura y cerámica. 

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2012/chagall/ 

  Generación 2012. Exposición

                      Grupo de eventos: Cultura Proyecto "Generaciones"

Imagen cedida por La Casa Encendida

Vi03.Febrero – Do08.Abril Cada dia , 10:00h – 21:45h

Decimotercera edición de la convocatoria de apoyo a la creación joven de Obra Social Caja Madrid. El jurado compuesto por Mª Inés Rodríguez (Curadora jefe del MUAC de México DF), Iñaki Martínez Antelo (Director del MARCO de Vigo) y José María Parreño (Profesor de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes, UCM) ha concedido 150.000 € en premios, distribuidos entre los 10 proyectos artísticos seleccionados: Ghost Paintings: Ellsworth Kelly Copies, de Kristoffer Ardeña; Muestras 1, 2, 3 y 4 [Abelina], de Empar Buxeda; Onstage - Monuments of Melancholy, de Juanli Carrión; Future Studies, de Javier Fresneda; Herrería, de Nuria Fuster; Memoria de un espacio, de Amaya Hernández; PORTADORES. La imagen en el campo ampliado del cuerpo, de Almudena Lobera e Isabel Martínez; La luz se propaga en el vacío, de Paula Rubio Infante; Europa crítica, de Daniel Silvo; y El Contorno, de Maya Watanabe.

https://www.lacasaencendida.es/page/id-1-1143-0-102075-418694-102040-0.go

Exposición en el CA2M: Aeronaut Mik                                                             Imagen cedida por CA2M Inauguración: 7 feb 2012 8 feb – 3 jun 2012 Comisario Ferran barenblit A través de una narrativa indeterminada las obras de Aernout Mik (Groningen, Paises Bajos,1962) sugieren situaciones en las que se reflejan las tensiones sociales y emocionales contemporáneas. En su trabajo vemos imágenes que nos remiten a guerras, crisis globales y conflictos sociales y raciales que nos resultan familiares sin aludir a un caso concreto.  http://www.ca2m.org/es/presentes/aernout-mik